REVISTA FINAL

BAUHAUS BAUHAUS

EN EL DISEÑO GRÀFICO

DELIA PLAGGIO Y SU ARTE

ESPECIAL DEL MES

TENDENCIAS EN LOGOTIPOS

STAFF EDITORIAL

DIRECTORA:

Dra. Reneé Isabel Mengo

DIRECTOR ADJUNTO:

Esp. Pablo Rubén Tenaglia

COORDINADOR GENERAL:

Dr. Hugo Ignacio Pizarro

GESTIÓN DE CONTENIDOS Y ADMISIÓN:

Lic. Raquel Schettini

CORRECCIÓN DE ESTILO:

Lic. Francisco Rosa

COORDINADORA DE DISEÑO:

Lic. María Cristina Villagra

MAQUETACIÓN Y DISEÑO INTERIOR:

Est. Karen Valeria Herrera Rojas

PROGRAMACIÓN DE SISTEMA:

Esp. Cristian Gabriel Zabala

PLATAFORMA DIGITAL:

Mgter. Mariana Dallera

CONTENIDOS AUDIOVISUALES Y FOTOGRAFÍA:

Mgter. Camilo Cornejo Perdomo

GESTIÓN DE SOFTWARE OJS:

Mgter. Marcela Díaz

Editorial Bauhaus. Lima 2023

Internet no provocó el incendio, pero es innegable que ha fomentado una política global amargada y fragmentada: una atmósfera de desconfianza generalizada, instituciones corroídas y un repliegue colectivo en el reconfortante seno del sesgo de confirmación. Todo ello ha socavado nuestro mayor truco: hacer cosas buenas juntos.

Es cierto que a cada uno de nosotros le afecta de manera distinta el cambio climático y la COVID-19 pero, en ambos casos, nuestros destinos están vinculados; lo que le pasa a cada uno de nosotros está ligado a las acciones de los demás. A menudo los nexos son borrosos. La deforestación de la selva amazónica bien podría afectar el nivel del mar en Florida, pero quizá sea difícil establecer una causa común entre los agricultores pobres de Brasil y los jubilados de Boca Ratón.

Sin embargo, a veces nuestros destinos están entrelazados de un modo tan obvio que dan ganas de gritar. Las vacunas funcionan mejor cuando la mayoría de nosotros las recibe. O todos remendamos este barco que se hunde o nos hundimos juntos. Pero ¿qué pasa si muchos pasajeros insisten en que el barco no se hunde y las reparaciones son una estafa? ¿O si los pasajeros más ricos acaparan las raciones? ¿Y si el capitán no confía en el navegante y este no deja de

cambiar de opinión y los pasajeros no dejan de agredir a la tripulación? Debo decir que es muy probable que mi opinión sea demasiado pesimista. Ha habido muchos estudios sobre cómo los seres humanos coordinan sus acciones en respuesta a las amenazas naturales y muchos de ellos han coincidido con mi pesimismo y se han equivocado.

En 1968, el ecologista Garrett Hardin publicó un famoso ensayo en el que sostenía que, como las personas tienden a maximizar la utilidad individual a expensas del bien colectivo, nuestra especie estaba condenada a explotar de manera indiscriminada los recursos del mundo. Llamó a esto la “tragedia de los comunes” y en los años siguientes formó parte de un grupo de intelectuales que abogaba por medidas estrictas para evitar la “bomba demográfica” que se avecinaba, entre ellas, restringir la “libertad de reproducción”.

DIRECTORA

DELIA PIAGGIO Y SU ARTE

El mundo del diseño es muy amplio, tiene un abanico de profesionales a disposición de los diseñadores, en esta sección de entrevistas mostraremos como es el vínculo entre profesionales ajenos al diseño gráfico y la unión que ellos generan con nuestro mundo.

Cuando uno piensa en una pieza de diseño, piensa en grillas, familias tipográficas, colores, formas y muy pocas veces en el contenido que está poniendo en una pieza gráfica. La creación de imágenes son parte de un contenido que a veces dejamos de lado, ya sea porque bajamos las fotos de algún banco de imágenes, o porque las fotos no lo vemos como algo más cotidiano. Cuando se piensa en cómo realizar una buena foto, retocarla para mostrar sus virtudes ocultas, todo eso lo hace alguien que le gusta la imagen, poder ver ese instante de belleza y esa belleza oculta de las

cosas que muy pocas personas lo hacen.

A continuación, la fotógrafa Silvina Piaggio, una profesional con todas las letras nos brinda una mirada sobre sus proyectos. Además de conocer su vida profesional, por medio de imágenes van a poder conocer más a fondo su arte, y su fotografía.

Soy Silvina, fotógrafa, y más que nada, soy amante de la imagen. Tuve el privilegio de recorrer los caminos de la fotografía desde varios ángulos, viví todo el mágico mundo de la fotografía analógica y trabajé durante años en el cuarto oscuro, blanco y negro y color…revelando, copiando y creando manualmente todo lo que después se volcó en los filtros de Photoshop (efecto sepia,

ENTREVISTA

dominantes de color, apantallados, etc).

Como fotógrafa trabajé tanto cubriendo recitales, espectáculos y eventos, como haciendo fotografía publicitaria y desde el 2004 estoy dedicada al mundo editorial, haciendo tomas y retoques para diversas editoriales.

Algunas veces me han preguntado

sobre lo que se siente al captar un momento, y creo que tiene bastante relación con una frase que leí una vez y que decía algo como: “hacer una foto es ése instante en que contenés la respiración y disparás cuando aparece ante tus ojos esa imagen que estabas esperando”

Les puedo contar dos procesos diferentes, por un lado cuando cubrís un recital o espectáculo, la mecánica y la adrenalina es otra muy diferente a una foto publicitaria. Una vez estaba cubriendo un recital y se me acercó alguien a preguntarme si estaba sacando fotos o filmando…a mi particularmente me gusta seguir al que va a ser el protagonista de mi foto hasta que la imagen se me aparece

Disfruto mucho de pasarme horas retocando una imagen

ENTREVISTA

en el visor, es así, la foto aparece de repente y disparás, para mí no es tanto un proceso de búsqueda como de caza. Por otro lado en lo que respecta a la fotografía publicitaria o de otro tipo, el proceso es diferente, mirás, buscás, probás ángulos para ver diferentes perspectivas y como le pega la luz y cuando finalmente estás conforme hacés la toma.

Hoy por hoy, bien lo decís, más allá de lo que sea trabajo, mi mundo de la fotografía está viajando… me gusta hacer viajes cortos y fotografiar nuevos lugares, parajes escondidos y sobre todo captar esos detalles, objetos o rincones donde se ve reflejado el paso del tiempo.

Todo deterioro tiene etapas, es un proceso que sucede a nuestro alrededor sobre la mayoría de las

cosas que nos rodean y siento que es interesante capturarlo, como el óxido que se forma sobre una vieja bomba abandonada en algún pueblito de la provincia de Buenos Aires, o una escultura rota o cubierta de telarañas.

La verdad que al principio me resistí un poco a ese cambio, cultora de los negativos, los haluros de plata y los baños para transformar una copia en sepia, sentía que todo lo digital era casi una falta de respeto para todo el arte y el trabajo artesanal que implicaba hacer una toma e imprimirla…pero bueno, me fui acercando lentamente a este nuevo mundo y ahora me parece maravilloso, valoro la ventaja de trabajar con red en cada etapa del proceso, tanto sea en la toma como en el “revelado del negativo

digital”, y disfruto mucho de pasarme horas retocando una imagen, porque finalmente llegué a sentir que por más tecnología y redes que tengas a tu disposición nunca nada va a reemplazar el proceso creativo que parte de la mirada personal de cada uno, volcada en el momento de captar un encuadre determinado de la realidad, es decir… una foto.

Puebro diferentes ángulos para ver diferentes perspectivas.

TIPS DE FOTOGRAFÍA

TRUCOS FOTOGRÁFICOS

Tips para fotografía de Productos

Toda persona que quiera crear una tienda online pasa por la misma encrucijada, cómo obtener las fotos de los productos?

Pues bien, seguramente este sea uno de los puntos que te puedan llevar más tiempo pero en verdad es uno de los más importantes, pues es en las fotos de los productos que los compra-

dores basan en gran parte su decisión de compra.

Si tus fotos no muestran bien los productos, tienen poca calidad o se ven cutres, ten por seguro que tu potencial cliente se irá a otra tu tienda. Si vendes productos de terceros la tarea es fácil, pues serán los mismo fabricantes o proveedores quienes te proporcionen las fotos, pero

cuanto esta opción no es posible hay que pensar en otras maneras de obtener buenas fotos. Si no tienes mucho presupuesto y la opción de contratar un fotógrafo profesional no es muy viable, en este artículo te queremos ayudar dándote una forma fácil y económica de obtener fotos profesionales de tus productos por medio de la creación de una caja de luz (lightbox). Este tipo de cajas se pueden comprar en internet, pero si quieres en este artículo te decimos como hacerla tu mismo de forma casera.

QUÉ NECESITAS?

• Caja cartón

• Papel vegetal o de pergamino o una tela blanca

• 2 o 3 lámparas

• Cámara de fotos

TIPS DE FOTOGRAFÍA

Ahora mira como quedaría tu caja de luz casera (lightbox) o mini plató fotográfico de bajo coste con los elementos que te hemos citado. Como verás en otros ejemplos más abajo, puedes hacerlo también con sólo dos focos de luz.

Otra idea de cómo hacer una caja de luz, en este caso con una estructura a base de tubos de desagüe. Observa en este caso la cartulina blanca curvada a modo de fondo del objeto para generar en la foto un fondo uniforme. Si tienes más espacio en tu casa puedes hacer una caja de luz que se asemeje un poco más a un pequeño plató fotográfico. En este caso se utilizan telas

para tamizar la luz de los focos sobre el objeto y conseguir así una fotografía bien iluminada sin sombras duras.

A menudo acostumbramos a no

darle la suficientemente importancia a un elemento fundamental en nuestras fotografías: el fondo. Salvo que tengas un fondo fantástico que creas que le va a la perfección al producto, mi recomen-

TIPS DE FOTOGRAFÍA

MEJORAR LAS FOTOS

1. Idealmente usa una cámara de fotos réflex para una mayor calidad y control. No utilices flash cuando tires las fotos pues genera luces poco naturales.

2. Usa trípode para evitar sutiles movimientos que hagan que la foto salga movida. A falta de trípode puedes hacer uno con un taburete o cajas. Utiliza lámparas con bombillas de luz fría para evitar la luz amarillenta de una bombilla normal.

3. Una cartulina blanca curvada que haga de base y fondo del objeto ayuda a obtener un fondo de imagen uniforme y tamizado (ver fotos inferiores).

dación es que no te compliques y elijas un fondo neutro: blanco o negro son los que mejor suelen funcionar. Además, si la fotografía de producto luego pretendes integrarla en una web o catálogo, el fondo blanco, especialmente, te proporcionará una mejor y más fácil integración.

Puedes encontrar kits de soportes con fondos de estudio o cajas de luz específicas para fotografía de producto a muy buen precio. Sino,

también puedes usar la opción “low cost”: usar una sábana, una cartulina o incluso las partes blancas o negras de un reflector 5 en 1.

Un último consejo tanto para fondo blanco, como negro es, a la hora de ajustar la luminosidad de éste en la toma, verificar esta luminosidad a través del histograma de las distintas fotografías que vayas realizando.

CONSEJOS IMPORTANTES PARA

Si sabes un poco de Photoshop ajusta los Niveles para obtener una imagen contrastada, con un fondo blanco uniforme y unas sombras suaves. Guárdalas en formato JPG o PNG de no más de 1MB. Para internet no son necesarias imágenes de gran resolución a diferencia de las que son para imprenta.

Qué te parece este útil truco para tomar tu mismo las fotos de tus productos de forma casi profesional?

“Cada ángulo cuenta una historia distinta para cada persona”

Cree su mundo. Le presentamos un producto Bamboo que es apropiado para aquellas personas con intereses artísticos. Con su lienzo digital más grande, Bamboo Create es magnífico para todos los tipos de proyectos de arte digital, incluidos bosquejos, ilustraciones y pintura digital.Escritura con lápiz de precisión con 1024 niveles de sensibilidad a la presión.Más del doble del tamaño de las otras tabletas Bamboo.Soporte para lápiz incluido para un adecuado almacenamiento del lápiz.

Precisión: +/- 0,5 mm para lápiz Área activa: 21,59 x 13,72 cm

Ambidiestro: Reversible para usuarios diestros o zurdos

Dimensiones de la tableta: 35,05 x 20,83 cm

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Ci7 ASUS G75VX 3D

El G75VX es el nuevo emperador del universo gaming portátil. Este equipo pulveriza las barreras del rendimiento con la 3ª generación de procesadores Intel® Core i7 y la gráfica NVIDIA® GeForce® GTX670MX con hasta 3GB de memoria GDDR5 VRAM. El G75VW se establece como el portátil más rápido y garantiza una increíble experiencia gaming durante muchos años.

Viene con un procesador Intel Core i7 de 2.40 GHz, Memoria RAM de 12 GB DDR3, Disco duro 750 GB SATA, Lector Blu-Ray y una tarjeta de video NVIDIA GeForce GTX 670MX 3GB GDDR5. Perfecta para la edición de video y el diseño grafico, ademas esta potenciada para todo tipo de aplicación multimedia.

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Con un tamaño de 23 pulgadas, a Viewsonic 231 posee una resolucion Nativa Full HD de 1080 pixeles, refrescode imagen a 120 mhz y entrada HDMI 1.4 que le permite la conexión directa a las consolas y dispositivos en 3D Blu-ray o PS3.

Incluye un par de gafas 3D polarizadas , altavoces estéreo con tecnología SRS Premium Sound. También incluye la suite de software TriDef 3D para convertir imágenes 2D a 3D para PC.

Ideal tambien para los profesionales del diseño grafico y la edición de video.

CANIN XHA1

La XH A1 HDV1080i resulta perfectamente equilibrada para realizar grabaciones a mano de forma sencilla. El total control sobre las variables de la imagen, junto con el nuevo autofoco instantáneo ultra rápido, hacen que la XH A1 resulte una herramienta ideal para el realizador digital.

Graba en formato HDV1080i en cintas MiniDV.Gracias a su objetivo zoom 20x Canon 32,5-650 mm (equivalente en 35 mm) de la serie L con estabilización óptica la XH A1 hereda los mejores estándares

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ópticos.Ademas, posee un LCD panorámico de 2,8 pulgadas que se encuentra discretamente situado en la parte superior del cuerpo de la XH A1, y con el nuevo modo de grabación adicional 25F, la XH A1 es capaz de reproducir aspecto de película cinematográfica.

La mejor para los que se inician en el mundo de la edicion de video, cine y Tv.

Para aquellos que buscan una cámara compacta pensando en calidad de imagen, zoom, versatilidad e innovación tecnológica, la COOLPIX P520 es su mejor opción. Cree fotografías y videos en Full HD de 1080 p de tipo profesional desde distancias alucinantes, incluso en condiciones extremas de poca luz.

Tome control de su visión con los modos de exposición P/S/A/M. Agregue el Adaptador Móvil Inalámbrico WU-1a opcional y comparta sus tomas en un instante, o controle la cámara con su teléfono inteligente o tableta compatible. Desde su magnífico lente de cristal NIKKOR con zoom de 42x y sensor de imagen CMOS de 18.1 megapíxeles de excelente desempeño con poca luz hasta su diseño inspirado en las Cámaras Réflex Digitales y pantalla LCD de ángulo variable de 3.2”, la COOLPIX P520 ofrece el máximo desempeño y la mayor potencia de zoom.

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TENDENCIA DE LOGOTIPOS 2023

Un logotipo es una imagen que simboliza una empresa, negocio o marca y la parte más importante de la imagen corporativa. Y como cada año, damos un vistazo a las tendencias en diseño de logos que poco a poco irán ganando terreno y se prepararán para dominar la escena en el 2023.

El mundo posterior a la pandemia no resultó ser exactamente lo que esperábamos. Nos hemos visto acosados por la crisis climática, las guerras y la austeridad. Y, en respuesta, muchos de nosotros nos estamos dirigiendo hacia el individualismo, la política antisistema y la espiritualidad. Todos necesitamos una válvula de escape en este momento y, como podemos ver en las tendencias de diseño de logos que van desde 2022 hasta 2023, la industria creativa lo está reflejando.

Se ven referencias de ciencia ficción y retrocesos retro en algunas de las tendencias de este año que destacamos. ¿Por qué? Porque estamos saliendo de la pandemia con unas gafas de color rosa feroces

y anhelando la utopía. Uniendo la experiencia con la innovación, los diseñadores están mirando a el pasado para informarle a el futuro un confíen en nosotros, será brillante.

Estas son las principales tendencias en diseño de logotipos para 2023:

Geometría distorsionada

Las formas geométricas se han utilizado durante mucho tiempo para en el diseño de logotipos. Suaves, precisas y calculadas, brindan un rígido contraste con las siluetas biomórficas que vemos en la naturaleza. Sin embargo, en 2023 los diseñadores aplaudirán sus reglas matemáticas y su regularidad.

Retorciendo, rompiendo y tirando

de las siluetas fuera de lugar, los diseñadores están rechazando la naturaleza tenue de la geometría predecible. Están luchando contra el establecimiento, desafiando conscientemente las normas de diseño para celebrar el espíritu de rebelión.

Cada diseño de logotipo en esta tendencia hace alarde de bordes dentados, piezas faltantes y bordes afilados. En cromo o neón, son ingeniosos, nítidos y desafiantes para captar la atención de la audiencia.

Lettermarks de difícil interpretación

En una línea similar a la tendencia de la geometría distorsionada, la tendencia de los lettermarks poco interpretativos está en boga. Superando los estándares de la industria de favorecer formas o letras simples y fáciles de reconocer, esta tendencia de diseño de logos de 2023 está generando una nueva dimensión, una que incluye una conceptualización abstracta total.

Los diseñadores usan formas geométricas y espacios en blanco para crear juegos mentales con el espectador, ya que primero ven un patrón abstracto y luego las letras representadas. Es casi como una ilusión óptica, en la que los diseñadores agregan un nivel más profundo de interacción y diversión a los diseños.

La manipulación de tipos siempre ha sido una tendencia inteligente y útil para crear una apariencia única para una estética mínima. A medida que el mercado se vuelve más saturado, las distorsiones obvias en las tipografías se convertirán en formas más reconocibles de logotipos o marcas.

En general, esta tendencia de diseño de logotipos es una categoría amplia. Las cosas nunca son obvias inmediatamente; el diseño no debe entenderse al pie de la letra. Los espectadores deben profundizar más en estos logotipos de lo que normalmente harían para descubrir el significado real, que se siente como una metáfora bastante grande de cómo vemos el mundo y la humanidad.

Logos místicos y mitológicos

ya conocidas. Para todos, es una estrategia para encontrar significado y conexión en un mundo que a menudo se siente cada vez más desconectado.

Aquí hay otra forma en que las generaciones más jóvenes, en gran parte la Gen Z, están rechazando las normas establecidas: están adoptando la espiritualidad alternativa y de la Nueva Era. Para algunos, esto significa cosas como la astrología, los cristales y las cartas del tarot. Para otros, es adoptar religiones paganas y otras basadas en la naturaleza en lugar de asistir a iglesias tradicionales

Muchas personas, especialmente los adultos jóvenes, sienten una falta de control sobre el futuro en este momento. Hay muchas razones para esto, como la incertidumbre económica, el conflicto geopolítico y la falta de acción climática percibida por parte de muchos líderes mundiales. Esta inquietud con el presente físico junto con el anhelo por un poder superior se muestra en las tendencias de diseño de logotipos de 2023.

Un impulsor clave detrás de este movimiento, y los logotipos de moda que lo reflejan, es la idea de «recuperar el poder». Los diseñadores se están apoyando en ese concepto y utilizan el lenguaje visual de prácticas como la astrología, el tarot, los cristales y el misti-

cismo en sus logos. Este lenguaje incluye imágenes como planetas, ojos, glifos astrológicos y motivos inspirados en la naturaleza.

Alinear chakras y cargar cristales, los logotipos místicos y etéreos siempre han existido, pero este año puedes verlos pulidos y llevados a la corriente principal. Esta tendencia de logos refleja la necesidad de estilos, colores y marcas tranquilos y naturalistas.

Influencia de la ciencia ficción

e inspirar a los diseñadores que trabajan con estos temas para representarlos en tonos fríos de gris, marrones apagados, fuentes de impacto y metalizados.

Ten en cuenta que no todos los diseños de logos inspirados en la ciencia ficción tienen este aspecto pesado; algunos apuntan a una versión más divertida y optimista del concepto.

La exploración espacial es un tema popular en la ciencia ficción.

pequeña fracción del universo hasta ahora.

Art déco moderno

Con origen en 1910, el art déco está disfrutando de un renacimiento. Y, como con cualquier renacimiento, los diseñadores lo están actualizando para hoy. Echa un vistazo a la fuente glitch usada en este diseño de logo tipográfico inspirado en el art déco:

Los efectos glitch utilizados en este contexto se sienten claramente modernos porque en la era art déco original, no había nada de glitch digital. La técnica es una yuxtaposición de los siglos XX y XXI, un recordatorio de que todo se puede volver a imaginar y reinventar. Funde lo viejo con lo nuevo: un pasado

La ciencia ficción de ayer es la realidad de hoy. Cosas como los mundos completamente digitales y la exploración espacial remota ya no son ficción; son parte de nuestro mundo. Pero no son necesariamente comunes y, en muchos casos, pueden sentirse como una yuxtaposición dramática a los desafíos inmediatos que enfrentamos. Eso puede hacerlos sentir distópicos...

También ha sido prominente en las noticias últimamente, luego de los avistamientos de ovnis confirmados en 2021 y las imágenes espaciales nítidas provenientes del telescopio James Webb. Verás esta popularidad reflejada en esta tendencia y su énfasis en la exploración espacial como otra vía para el escapismo, ya que los humanos solo han explorado una

romántico con un futuro incierto.Y esta no es la única forma en que los diseñadores están modernizando y revitalizando el movimiento art déco para el contexto actual. Tradicionalmente, pensamos en las fuentes minimalistas como, bueno,

mínimas: no son grandes ni audaces ni visiblemente notables de ninguna manera. Pero con estos logotipos tipográficos inspirados en el art déco, vemos a los diseñadores experimentar con la anatomía de las letras, enfatizando características como su peso, grosor y forma.

constante. Muchos de estos logotipos usan imágenes inspiradas en la ciencia para comunicar que incluso, y quizás especialmente, en nuestros momentos más oscuros, el avance científico es el camino hacia la recuperación y el progreso. Da optimismo y esperanza en el formato más confiable y mejor investigado.

Los patrones abstractos inspirados en moléculas presentan una de las formas más puras de diseño de logotipos. Cierra la brecha entre la iconografía clásica y las marcas de logotipos simplistas de una manera fluida y abstracta.

Aquí hay una explicación rápida para aquellos que no están versados en derretir mercurio o este estilo icónico de principios de siglo: el elemento mercurio alguna vez se usó comúnmente en termómetros y otras herramientas y productos de consumo.

En esta tendencia de diseño de logos, vemos más imágenes inspiradas en la ciencia ficción. Pero a diferencia de la tendencia que ya mencionamos, esta no rinde homenaje a la fantasía, sino que celebra la realidad.

Entonces, ¿Cómo interpretan los diseñadores la ciencia como imágenes? Muchos de estos logotipos incorporan hélices de ADN, lo que también aporta otro tema a la historia de esta tendencia. El ADN es la base de toda la vida, y al representarlos abiertamente o implicarlos a través de círculos y puntos vinculados, los diseñadores expresan el sentido de conexión y pertenencia que sentimos entre nosotros.

Fuentes retro de mercurio líquido

Echa un vistazo a estos logotipos. Son derretidos, brillantes, rezumantes y se sienten frescos, pero un poco familiares:

En nuestro contexto actual de contradicciones y oscilaciones culturales, el progreso científico es

No, no eres la única persona que ha visto la tendencia de la tipografía de mercurio líquido y ha dicho: “Oye, esto se siente un poco Y2K”. Si estabas por ahí en ese entonces, reconocerás este tipo de fuente de inmediato, incluso si no sabes cómo se ve realmente el mercurio derretido.

A temperatura ambiente, el mercurio es líquido. Es denso y, a diferencia del agua y otros líquidos más livianos, el mercurio se mueve lentamente y tiende a rezumar, en lugar de fluir. Esta fuente, con su peso distribuido de manera desigual, esquinas redondeadas y la sensación general de haber rezumado orgánicamente en formas de letras, parece mercurio derretido. Como fuente, se siente contemporánea. No solo carece de serifas, carece de simetría. No se siente restringido o incluso deliberado; es funky y con un brillo metálico, incluso de otro mundo. Como fuente retro, se siente nostálgica, pero el juego de profundidad, textura y formación de letras le da a esta tendencia de logotipo de mercurio derretido una energía fresca. Se siente animado, emocionante y libre.

Garabatos y trazos divertidos

El escapismo no siempre parece futurista. A veces, se trata simplemente de buscar los aspectos positivos en el entorno que te rodea. Y de eso se trata esta tendencia.

En 2023, los diseñadores aportarán humor e ingenio informales a su trabajo, creando divertidos

dibujos lineales para levantar el ánimo. El estilo simplista recuerda a los garabatos que dibujaste cuando eras un niño en la escuela en tus libretas de apuntes, combinando una sensación de travesura e inocencia.

la atención, el color rojo simboliza una mayor emoción y suerte. Por lo tanto, tiene sentido que los diseñadores recurran a él para enfatizar la personalidad de la marca para la que están creando.

en los diseños tradicionales

Cuando piensas en todas las crisis que se ciernen sobre el mundo en la actualidad, no es de extrañar que los diseñadores miren hacia atrás con nostalgia para alimentar su creatividad.

Notarás que estos diseños de logos están recurriendo a tiras cómicas en busca de inspiración. Puedes verlo en dibujos lineales en 2D, las expresiones exageradas, el uso de cuadrículas de líneas y los globos de diálogo. Los diseñadores buscan los aspectos positivos en un mundo cada vez más tenso.

En 2023, hacer frente a la realidad es un tema clave que vemos en el diseño. Maniobrar a través de la ‘nueva normalidad’ en 2022 significaba que necesitábamos innovar en lo que sabemos y lo que hemos experimentado en el pasado. Y una forma en que vemos a los creativos reflexionar sobre esto es a través de la traducción de imágenes culturales tradicionales en llamativos diseños de logotipos contemporáneos.

Los logotipos en este momento son divertidos y positivos, esto, causado por la pandemia. La gente ha tenido algunos años difíciles y algunos más por venir, y las empresas y los diseñadores están tratando de dar positividad de cualquier manera que puedan.

Contornos rojos tipo retro

A partir de finales de 2022, notaremos un mayor uso del color rojo (en lugar de negro) en los diseños de logotipos monocromáticos para 2023. Esto es especialmente notorio cuando el logotipo presenta un personaje o una mascota. Al llamar

Al hacer referencia a un estilo de ilustración que muchos conectan con la infancia, estos diseñadores alientan al público a tomar un momento de alivio ligero, para disfrutar de la inocencia de tales recuerdos.

Y cuando miramos más profundamente a estos personajes de dibujos animados, nuevamente vemos por qué el color rojo parece funcionar tan bien aquí. Está agregando alegría, una energía divertida y carisma a los personajes a los que se aplican, sentimientos que la audiencia está invitada a absorber.

Entonces, esto podría significar combinar una estética de calcomanías de la vieja escuela con una paleta de colores pastel contemporánea y patrones abstractos. O bien, podría significar aislar una forma o símbolo singular de las imágenes tradicionales o culturales y sumergirlo en un océano abstracto de espacio en blanco.

Un giro innovador

DISEÑO Y SOFTWARE

ILLUSTRATOR Y PHOTOSHOP

En este artículo te compartimos información sobre dos fabulosos programas utilizados fuertemente por los artistas en diseño gráfico y fotografía: Adobe Photoshop y Adobe Illustrator. Asimismo, se detallará la diferencia y las ventajas de cada una de las plataformas.

Adobe Photoshop

último. Photoshop es un software de edición de fotos, arte digital, animación y creación de gráficos que facilitan a los artistas dar vida a sus ideas.

Asimismo, ofrece una amplia variedad de funciones de edición de imágenes, así como la capacidad de crear gráficos complejos.Photoshop en sí le da al usuario un control completo sobre todo tipo de manipulación de imágenes, edición y efectos especiales. Igualmente, se ha convertido en el estándar de la industria para muchos creativos.

Debido a que es muy versátil y generalmente es uno de los primeros programas que muchos aprenden a usar. Una de las principales ventajas de usar este programa es su capacidad para crear múltiples capas que se pueden alterar independientemente unas de otras.

Igualmente, se agregan nuevas herramientas y características a medida que Adobe recopila comentarios de artistas sobre formas de mejorar el software.

Antes de hablar de las diferencias de Illustrator y Photoshop comenzaremos con las características de este

Ventajas de usar Photoshop

Photoshop es un potente y popular software de edición de imágenes que ayuda a aplicar varios efectos fácilmente y obtener resultados consistentes, Ilustrator es un software de edición de vectores. Muchas personas utilizan este software para crear una imagen de mejor calidad. Porque tiene muchas características que apenas están disponibles en otras aplicaciones de edición de fotos. Por ese motivo, te presentamos las principales ventajas del uso de Photoshop.

1. Organización

Las fotos y los videos se pueden importar fácil y rápidamente al programa. Debido a que, los archivos importados están perfectamente organizados en la pantalla y, por lo tanto, se pueden manejar fácilmente. Las herramientas de edición y otras características se pueden encontrar fácilmente con la organización adecuada del espacio de trabajo.

DISEÑO Y SOFTWARE

Photoshop. Dado que, muchos fotógrafos profesionales utilizan la edición de imágenes del programa para reducir defectos y mejorar la calidad de sus fotografías.

4.

Características añadidas

2. Ahorra tiempo

La mayoría de las ediciones regulares, como el blanqueamiento dental, el ajuste del tono de la piel y la eliminación de ojos rojos, se pueden completar con un solo clic. Por ello, un profesional que usa Photoshop puede completar su tarea en cuestión de minutos, lo que lo convierte en una herramienta favorita en muchas industrias como la publicidad, el marketing y el diseño web.

3. Edición avanzada

Una imagen de una persona normal puede convertirse y mejorarse radicalmente con la ayuda de las herramientas de retoque de

Photoshop ofrece resultados de mayor calidad con características especiales. Como por ejemplo el cambio de tamaño, la corrección de color, fotografías HDR y muchas más. Además de cientos de herramientas en edición de fotos profesional. Photoshop incluso ha evolucionado como creador de imágenes 3D, editor de vídeo y software de diseño gráfico.

5.

Fácil de transferir

Los archivos creados en Adobe Photoshop se pueden transferir fácilmente entre diferentes programas a través de Adobe Creative Cloud. Puesto que, un gráfico creado en Adobe Illustrator se puede agregar a la mesa de trabajo de Photoshop, o un video creado en Adobe Premiere se puede agregar fácilmente a él. Cabe resaltar que los archivos transferidos dentro de la nube se pueden realizar sin perder calidad.

6. Cambio de color

A través de algunas de las herramientas de selección y mejora de color de Photoshop, el usuario puede cambiar rápidamente el color de los ojos de una modelo. Así como cambiar el tono de una prenda para incluirla en un catálogo, agregar un patrón de tinte a una manta, entre otros.

DISEÑO Y SOFTWARE

7. Capas

Photoshop es uno de los programas de software gráfico que permite a los usuarios trabajar en capas. Las capas son una forma de apilar diseños, luego eliminarlos u ocultarlos para ver cómo se ve su trabajo. Además, se puede agregar una capa a la imagen, dibujar encima de ella y luego hacer los cambios necesarios para mejorarlo de forma individual.

como una de sus mejores opciones. Es muy probable que, todos los días, se encuentre con docenas de ejemplos de contenido producido con Illustrator.

Ventajas de usar Adobe Illustrator

Es un programa profesional de diseño y dibujo basado en vectores, Adobe Photoshop se basa en píxeles. Asimismo, se utiliza para crear una variedad de imágenes digitales e impresas, incluyendo dibujos animados, gráficos, dia-

El software de Adobe Illustrator facilita a las personas la producción de gráficos listos para imprimir . También puede usarlo para realizar gráficos web. Asimismo, el conjunto de herramientas se actualiza constantemente, lo que permite a los usuarios hacer gráficos vectoriales como un profesional.

2. Es compatible con todos los sistemas informáticos

El software es compatible con productos Apple y Windows. Incluso si su computadora es de la década de 2000 o está utilizando una opción más antigua, funcionará adecuadamente. En otras palabras, muchas personas pueden beneficiarse del programa siempre que el sistema operativo de la computadora esté actualizado.

Es un programa profesional de diseño y dibujo basado en vectores. Asimismo, se utiliza para crear una variedad de imágenes digitales e impresas, incluyendo dibujos animados, gráficos, diagramas, logotipos e ilustraciones. Adicionalmente, permite al usuario importar una fotografía y utilizarla como guía para trazar nuevos objetos.

Cualquiera que necesite una herramienta poderosa para crear imágenes desde cero debe mirar a Illustrator

gramas, logotipos e ilustraciones. Adicionalmente, permite al usuario importar una fotografía y utilizarla como guía para trazar nuevos objetos.

Cualquiera que necesite una herramienta poderosa para crear imágenes desde cero debe mirar a Illustrator como una de sus mejores opciones. Es muy probable que, todos los días, se encuentre con docenas de ejemplos de contenido producido con Illustrator.

1. Hace gráficos web e impresos

3. El tamaño del archivo es pequeño Illustrator permite que cualquier gráfico que se produzca se guarde en un tamaño pequeño de tal manera que puede transferirlo fácilmente a otro lugar. En comparación con otras plataformas similares, Illustrator genera archivos de tamaño relativamente pequeño, a diferencia de Adobe Photoshop. Esto le permite compartirlos como un archivo

adjunto de correo electrónico o utilizarlos sin ocupar mucho espacio en su computadora.

4. Es escalable

En Adobe Illustrator, puede establecer su resolución en cero. Debido a que, los gráficos del software están construidos sobre ecuaciones matemáticas, no en píxeles almacenados. Como resultado, cualquier dimensión que se establezca en la imagen producirá líneas nítidas.

5. Admite la edición en el panel de herramientas

La edición en el panel de esta herramienta le ayuda a ahorrar tiempo cuando usa Illustrator. También puede utilizar diferentes mesas de trabajo simultáneamente. Esto significa que puede trabajar en diferentes imágenes al mismo tiempo. Por lo tanto, Adobe Illustrator hace que los usuarios sean más productivos en comparación con otras plataformas que solo le permiten trabajar en un solo gráfico a la vez.

6. La interfaz de usuario es útil

La herramienta ofrece flexibilidad adicional, ya que puede personalizar todo su espacio de trabajo. Por ello, estas características permiten utili-

DISEÑO Y SOFTWARE

zar los métodos más cómodos cuando se trabaja en proyectos mientras se mantiene el control general de todas las opciones disponibles.

8. Crea con pinceles virtuales y tinta

Los diseñadores que utilizan Illustrator pueden crear gráficos e imágenes a mano alzada, utilizando un lápiz óptico y herramientas de dibujo digital. La intuición y el estilo personal de un artista son un activo poderoso para crear imágenes distintivas. Además, Illustrator permite a los artistas crear con pinceles virtuales, bolígrafos, tintas y otras herramientas poderosas en una variedad de superficies digitales.

Cuál es la diferencia entre Photoshop e Illustrator Photoshop e Illustrator son programas muy similares. Algunos artistas los usan casi indistintamente. Pero, la principal diferencia entre los dos programas es que Photoshop se utiliza principalmente para editar y perfeccionar imágenes que ya existen. Mientras que Illustrator está diseñado para crear nuevas imágenes a partir de un lienzo en blanco. Esto significa que las herramientas de edición de Photoshop están sin-

tonizadas con ese propósito: cambiar una imagen que se importó desde fuera del programa. Y las características y herramientas de Illustrator apuntan hacia la creación desde cero.

Ráster y Vector

Ahora es el momento de ponerse técnico, porque Photoshop e Illustrator difieren más que solo a nivel de concepto. Ya que, Photoshop edita utilizando una base ráster/ píxel. Illustrator es un programa basado en vectores. Aunque, el arte rasterizado y el arte basado en vectores se ven iguales en el exterior. Pero, son bastante diferentes debajo de la superficie.

El arte basado en ráster es cualquier trabajo digital que se basa en filas y columnas de píxeles. Una foto digital o archivo de video se compone de miles de pequeños píxeles. A cada uno asignado un color diferente. Más píxeles significan una mayor calidad de imagen, y también permite que la imagen se muestre en una pantalla más grande. Pero, los píxeles no se pueden manipular con tanta facilidad.

Vectores

No está hecho con píxeles; más bien, las líneas que dibuja con Illustrator se crean utilizando ecuaciones matemáticas. Entonces, en lugar de decirle al programa que cambie el color de una serie de píxeles, le está dando una ecuación matemática que usa para dibujar una línea para usted. Es por eso que las imágenes vectoriales se

DISEÑO Y SOFTWARE

pueden escalar hacia arriba o hacia abajo infinitamente sin perder calidad.

El número de píxeles no importa, porque las matemáticas detrás de las imágenes solo necesitan multiplicarse. Por ello, las imágenes basadas en vectores son perfectas para aplicaciones en las que la imagen se mostrará en diferentes tamaños. De esa manera, se puede usar fácilmente en su sitio web, redes sociales sin tener que reeditarlo constantemente.

Photoshop vs Illustrator: cuándo usar cada software.

¿Cuál es el mejor para el diseño gráfico?

Los diseñadores que utilizan Illustrator pueden crear gráficos e imágenes desdes cero, a diferencia de Photoshop. Ya que, se trabaja con vectores. Pero, en el diseño gráfico se suele combinar trabajos con vectores y pixeles. Por ello, muchos diseadores gráficos trabajan con ambos programas.

¿Cuál es el mejor para la edición de fotos?

La edición de fotos es muy diferente al diseño gráfico o la ilustración. No estás empezando con un lienzo vacío; más bien, está importando una imagen detallada y trabajando desde allí. Ciertamente, Photoshop fue diseñado específicamente para la edición de fotos a diferencia de Adobe Illustrator. Así que, obviamente toma la posición como el mejor software para esta aplicación.

En primer lugar, Photoshop está equipado para procesar formatos de imagen avanzados, como imágenes RAW, mejor que cualquier otro software. Eso significa que es la herramienta ideal para editar imágenes de alta calidad directamente desde cámaras de nivel profesional. En segundo lugar, Photoshop tiene una gama de potentes herramientas de edición de «un solo clic» que pueden mejorar instantáneamente la calidad de una foto.

Finalmente, el diseño basado en capas de Photoshop y las herramientas avanzadas de enmascaramiento le brindan un control ilimitado y preciso sobre cada elemento diferente en una foto.

¿Cuál es el mejor para el arte digital?

Photoshop e Illustrator son muy adecuados para el arte digital; es casi imposible elegir un verdadero ganador. Sin embargo, hay algunas maneras en que puede decidir entre los dos para el arte digital. En primer lugar, si te gusta dibujar tu trabajo en papel antes de ir al ordenador, Photoshop será tu amigo. Puede escanear sus bocetos, importarlos a Photoshop y agregar colores / toques finales.

Illustrator es una mejor opción para el trabajo que se imprimirá en una variedad de materiales diferentes. O se mostrará en muchos tamaños diferentes. Es bueno para pintar y dibujar. No obstante, las imágenes que haces en Illustrator tienen un aspecto «digital». Esto es

genial si eres diseñador gráfico o dibujante. Pero no es ideal si quieres crear pinturas de «acuarela» digitalmente.

Photoshop es mejor para los artistas que desean crear obras de arte que se vean similares a lo que pueden hacer con materiales físicos. Principalmente, porque las imágenes ráster son más adecuadas para esto por naturaleza. Así que, si te gusta pintar, acuarelas o dibujar realistas, Photoshop debería ser tu opción.

Cuándo usar Adobe Illustrator y Photoshop juntos

El verdadero problema con la elección entre Photoshop e Illustrator es que realmente no se supone que deba elegir uno u otro. Desde el lanzamiento de Adobe Creative Suite (CS) en 2003, que fue reemplazado por Adobe Creative Cloud (CC) en 2011. Adobe ha intentado que los clientes adopten toda la gama de su software y los usen juntos.

Esto significa que Photoshop e Illustrator están diseñados para ser utilizados juntos, en el mismo proyecto, para brindarle opciones ilimitadas. Por ejemplo, si quieres iniciar una obra de arte esbozándola en Illustrator (que tiene mejores herramientas de dibujo). Luego, llevarla a Photoshop para rellenarla con color y textura, aprovecharás lo mejor de ambos programas.

ARTE ABSTRACTO

Especialista en artes, literatura e historia cultural

Se llama arte abstracto o arte concreto a aquellas expresiones artísticas basadas en elementos como la línea, el punto, el color y el material como lenguaje autosuficiente e independiente de la reproducción de objetos reconocibles, es decir, del figurativismo.

Si bien a lo largo de la historia podemos reconocer elementos abstractos en las expresiones plásticas, el arte abstracto como corriente solo aparece en el siglo XX, cuando surgen una serie de movimientos que se agrupan bajo el nombre de abstraccionismo. Ahora bien, ¿qué expresa el arte abstracto? ¿Cómo nació el arte abstracto? ¿Cuántos tipos de abstraccionismo existen?

Características del arte abstracto

Vasili Kandinsky: Primera acuarela abstracta, 1910, acuarela, 49,6 x 64,8 cm, Centro Georges Pompidou, París. Abstracción lírica.

El arte abstracto o abstraccionismo reúne un conjunto de movimientos diferentes entre sí. Aun así, podemos resumir algunas características fundamentales compartidas.

Renuncia al figurativismo o naturalismo

El arte abstracto renuncia por completo al figurativismo al pres-

cindir de representar objetos reconocibles. De esta manera, atesta un golpe contra la tradición occidental que, hasta el siglo XIX, se basaba en la imitación de la naturaleza.

Protagonismo de los elementos plásticos

En el arte abstracto, el protagonismo lo tienen los elementos plásticos en sí, sobre los cuales se carga todo el peso significante. La línea, el punto, el color, el plano, la geometría (plana o espacial), el material y la composición son el foco de interés del artista, y no meros recursos para referir elementos externos a la obra.

Espíritu contemplativo centrado en lo estético

El arte abstracto promueve un espíritu contemplativo ante las formas artísticas en sí mismas, una contemplación capaz de apreciar y acoger la dimensión estética de

una obra como un valor autosuficiente.

Liberación del arte respecto del tema

Al eliminar el referente, esto es, al renunciar a la representación de objetos, el abstraccionismo libera al arte de la subordinación al tema. Con ello, afirma la posibilidad de que sea valorado con absoluta autonomía. De este modo, deja atrás la idea de trascendencia artística asociada a los grandes relatos (religión, mitología, historia e, incluso, narrativas psicológicas en algunos casos).

Libertad compositiva

El enfoque del arte abstracto favorece la originalidad y la libertad absoluta de los artistas en materia de composición plástica. Por ello, el abstraccionismo agrupa tendencias totalmente diferenciables entre sí que, además, han logrado impactar en la cultura visual contemporánea.

Origen del abstraccionismo: ¿cómo nació el arte abstracto?

En tanto corriente, el origen del arte abstracto suele fijarse en el año 1910 con la aparición de la obra Primera acuarela abstracta del pintor ruso Vasili Kandinsky o Kandinski. Sin embargo, no puede decirse que el pintor ruso haya sido el primero en explorar la abstracción, ya que este era un interés compartido por otros artistas de su generación.

ARTE ABSTRACTO

Hasta el siglo XIX, el arte occidental se caracterizaba por el figurativismo o la reproducción de figuras reconocibles (técnicamente, esto se llama “naturalismo”). Gracias a la generación postimpresionista del último tercio del siglo XIX, el arte comenzaba a registrar una tendencia hacia la síntesis figurativa, que centraba la atención en los modos de interpretación de la realidad.

El impulso final lo habrían dado movimientos como el expresionismo y el fauvismo por un lado, y la vanguardia cubista por el otro, lo que dio origen a dos tipos de abstraccionismo: la abstracción lírica y la abstracción geométrica respectivamente. Para comprender esto, veamos el texto a continuación.

Tipos de arte abstracto

Existen dos tipos esenciales de abstracción: la abstracción lírica y la abstracción geométrica. Cada uno de estos tipos nos permite agrupar los movimientos del arte abstracto de acuerdo a sus elementos predominantes.

Abstracción lírica, informal o emotiva

Óleo, guache y yeso sobre lienzo, 106.4 x 170.2 cm, Museo de Arte Moderno, Nueva York. Expresionismo abstracto.

La abstracción lírica abarca todos los estilos abstractos que utilizan elementos libres, sin procesos estrictos de racionalización geométrica o matemática, es decir, sin reglas predefinidas. En estos estilos prevalece la expresividad, la intuición y, con frecuencia, la espontaneidad.

Abstracción geométrica, estructural o racional

Jackson Pollock: La loba, 1943

Carlos Cruz-Diez: Color aditivo, serie 32 Uno 4 ABD, 2002, 40 x 40 cm, París, Francia. Arte óptico,

La abstracción geométrica es aquella que se basa en la racionalización geométrica y matemática de las formas. De acuerdo a Víctor Guédez en su llibro Aproximación y comprensión del arte contemporáneo, “responde a precisas estructuras lógicas y calculadas”. Este tipo de planteamientos aleja a la a abstracción geométrica de los principios de intuición y expre-

ARTE ABSTRACTO

sividad propios de su antecesor, el abstraccionismo lírico.

Movimientos de arte abstracto

Los movimientos de arte abstracto pueden agruparse de acuerdo con el tipo de abstracción que practicaban.

Corriente de la abstracción lírica, informal o emotiva

Entre los movimientos de esta corriente más conocidos, podemos mencionar los siguientes:

• Rayonismo (h. 1912): centró su interés en el ordenamiento dinámico y rítmico de la luz, el color y los rayos.

• Gestualismo, pintura de acción o action painting (1945): aprovecha el cromatismo producido a partir de técnicas como el dripping (chorreado de pintura).

• Expresionismo abstracto (1950): hace énfasis en el proceso creativo, basado en el automatismo y la improvisación cromática y gráfica.

• Neoexpresionismo (1980): movimiento que impulsa la renovación de los paradigmas del arte abstracto.

• Pintura salvaje (1980): radicaliza la espontaneidad de los trazos y los colores.

De izquierda a derecha: Arriba: arte cinético y suprematismo. Centro: constructivismo y neoplasticismo. Abajo: minimalismo y arte óptico. En tanto corriente consciente y deliberada, la abstracción geométrica se inicia poco después de la abstracción lírica, hacia el año 1914 aproximadamente. Bajo el concepto de abstracción geométrica se pueden agrupar los siguientes movimientos:

Constructivismo (h. 1914): se basa en la geometría espacial, los materiales y los principios constructivos, aspectos que le aproximaron al diseño.

Suprematismo (1915): centró su atención en los valores absolutos de la geometría plana (cuadros, círculos, rectángulos y triángulos) y los elementos compositivos básicos (líneas rectas simples o intersecadas).

Neoplasticismo (1917): se conoció también como De Stijl. Reduce los elementos geométricos a líneas perpendiculares y reduce la paleta de colores.

Arte óptico (1960): trabaja sobre las ilusiones ópticas mediante la manipulación de la luz y el color.

De izquierda a derecha: Arriba: Kandinsky (artista independiente) y rayonismo. Abajo: pintura de acción e informalismo (tachismo).

Desde una perspectiva histórica, la abstracción lírica como corriente deliberada tuvo su inicio hacia el año 1910 y su máximo exponente fue Vasili Kandinsky. El pintor ruso se basó en el principio de composición armónica del color, el punto y la línea sobre el plano como entes significantes, colindando con los principios de la armonía musical.

Movimientos de la abstracción geométrica

Cinetismo (1967): trabaja con el principio de inmaterialidad entre la materia, procurando la percepción del movimiento.

Minimalismo o Estructuras primarias (1968): de acuerdo con Guédez, se basa en la absoluta economía de los recursos materiales y la reducción de las estructuras formales.

Neogeometrismo (1980): vuelve sobre los principios de simplificación geométrica.

PASTILLAS DEL DISEÑO DE ESTUDIANTE A PROFESIONAL

Cómo pasar de estudiante a profesional y no morir en el intento. El hecho de no haber salido de la carrera no implica que debamos quedarnos paralizados esperando que las cosas sucedan solas.

Los estudiantes solemos tener pocas oportunidades para insertarnos como profesionales en el mundo real. Sea cual sea el enfoque que cada uno tenga, es importante saber —o por lo menos crearse— una vaga idea de qué hacer al momento de terminar la carrera. Pero ¿cómo saber por dónde empezar? Parece una pregunta tonta y muchos profesionales luego olvidan que tuvieron ese problema.

En la carrera solemos acomodarnos a lo que vemos, a lo que nos indican «los que saben», y como no indican más, no solemos hacer más.Ese es el mayor problema: no nos piden más y tenemos pocas ganas de buscar. Aunque quizá no sea eso, tal vez no se nos ocurra, tal vez no sepamos el modo o tal vez, simplemente, tengamos miedo. Efectivamente, es posible que no seamos conscientes de tener miedo al rechazo, miedo de preguntar y que nos digan «no» por la falta de conocimientos o experiencia. Al tratar de insertarme en el mercado laboral de mi carrera, el diseño, me topé con varios obstáculos, en el siguiente orden:

Al principio ni siquiera tenía conciencia de que debía buscar algo desde ya, algo que me diera experiencia, que me permitiera aprender a tratar el medio e ir dejando que me aporree de vez en vez.

Llegué a crearme esa conciencia, pero sin saber dónde buscar, vaya, sin saber ni qué buscar. ¿Preguntarle a algún maestro? ¿Llegar de la nada a una agencia de diseño?, y decir ¿qué? En concreto, sabía que debía hacer algo, pero no qué.

Una vez que encontré un lugar donde me recibieron, dispuestos a dejarme aprender, miraba a los que saben como si fuesen dioses, cuando lo único que ellos querían era, en la mayoría de los casos, ayudarme, aconsejarme e impulsarme sin que me sientiera pequeña, para que pudiera asimilar lo que me enseñaban.

Una vez acoplada a todo, y más o menos entendiendo la cosa, mis amigos me pidieron ayuda para estar conmigo en el mismo trabajo. Me surgió un dilema —moral—. Todos debemos tener cierto proceso de aprendizaje y recorrido para valorar lo que tenemos. ¿Está bien que a unos nos haya costado tanto y a

otros nada?

A quienes experimenten estos inconvenientes, les propongo tres reglas:

La regla número uno es tener iniciativa. Eso sirve para buscar el qué, cómo y con quién.

La regla número dos es perder el miedo, pero a todo. Perder el miedo también a que te digan «no», porque eso ¡vaya que sucede! Saber que si se te cierra una oportunidad, no debes desalentarte y has de seguir buscando, porque ya encontrarás.

Y la última regla es para resolver el asunto de los amigos que piden ayuda. Debes impulsarles y darles consejos que a ti te han servido — el que te pidan algo significa que tu experiencia también les ha hecho abrir los ojos y ya están haciendo algo—, pero no debes llegar a resolverles todo. Si lo haces, no te servirá a ti, ni a ellos, por muy cercanos que sean.

En este medio no siempre gana el mejor. A veces gana el que nunca se rinde.

PASTILLAS DEL DISEÑO

VÍCTIMAS DEL DISEÑO

El diseñador gráfico parece vivir en constante sufrimiento. ¡¿Será posible?!

Cada día abro el Facebook, leo los blogs y me encuentro con las mismas canciones: «No soy valorado», «No duermo», «Como mal», «El cliente quiere robarme», «No me pagan lo que merezco», o simplemente «No me pagan», y así, una enorme cantidad de quejas y llantos. Comprendo que al vivir del medio gráfico tendemos a utilizarlo para hablar de nosotros mismos —en memes, posts, carteles, páginas web, etc.— como para exteriorizar nuestras penas.

Pero ¿realmente sufrimos tanto?

Creo que no, o al menos no más que otras tantas profesiones que, a diferencia de nosotros, no saturan los medios de comunicación con sus pensamientos. Tal vez porque no saben cómo utilizar el medio o porque simplemente lo hacen en su círculo más íntimo.

En su desarrollo, el profesional del diseño gráfico pasa por una serie de etapas:

• Estudiante. Se aprende de buenos o malos profesionales y docentes (o ambos). Por norma se crea una rebeldía respecto del sistema establecido (para eso se

es estudiante).

• Pasante. El tiempo en el que te das cuenta que lo que te han enseñado dista mucho de la realidad y además te das cuenta de que el entorno es muy competitivo y tienes que aprender todo lo que no sabías, cobrando nada o muy poco.

• Principiante. Ya controlas un poco más pero aún estás muy verde y eso se nota. Lo ven tus jefes, tus compañeros y los clientes, pero tu no te das cuenta (es normal).

• Veterano: Ya estas curtido y puedes hacer de todo, aunque desgraciadamente no significa que te paguen bien por eso.

• Estrella: Puede ser de dos tipos, la efímera (esos diseñadores que durante dos meses salen hasta en la Coca-Cola y después no vuelves a saber nada de ellos) y los permanentes (esos diseñadores que te dan rabia sana por lo buenos que son, están detrás de todo, pero ni te enteras). En

FOROALFA hay unos cuantos maestros.

Como cualquiera puede darse cuenta, estas etapas de desarrollo coinciden con la de muchas otras profesiones. Hay que preguntarle a los médicos, a los arquitectos, a los ingenieros, a los maestros, y a muchos más. Pero en el caso de los diseñadores gráficos, lo que no se entiende es que nos quejemos cuando tenemos un trabajo que ¡es genial! Nos pagan por pensar, por conceptualizar las ideas para convertirlas en imágenes que luego servirán para vender otras ideas, productos, servicios, etc. Incluso habrá quien se los tatúe, quien los cuelgue en la pared, quien haga de un tagline su ideario de vida. Es una profesión maravillosa de la que se puede vivir con dignidad y hasta ganando dinero. Nos quejamos por gusto.